Documents DADA 21 résultats

"Dans l'univers cinématographique Dada se croisent subversion iconographique et abstraction, géométrie des formes et érotismes des corps, dans une indifférence générale au sens sinon à celui que constitue sa déconstruction même."
P.-A. Michaud, Centre Pompidou, 2004

-Rythme 21, de Hans Richter - 1921, 35mm, n/b, muet, 2'10.

-La symphonie diagonale, de Viking Eggeling - 1921, 35mm, n/b, muet, 7'.

-Le retour à la raison, de Man Ray - 1923, 35mm, n/b, muet, 2'.

-Le ballet mécanique, de Fernand Léger et Dudley Murphy - 1924, 35mm, n/b, sonore, 14'.

-Entr'acte, de René Clair - 1924, 35mm, n/b, sonore.

BONUS : Contient un livret de 36 pages de textes sur les films et le mouvement Dada par Philippe-Alain Michaud et Hans Richter.[-]

Le cinéma en son temps, les années 50 ou le Commencement d'une peur inconnue
"D'un côté, les journaux d'actualités : Hiroshima, la Corée, l'Indochine, l'Algérie, Budapest. De l'autre, la fiction : pas un seul film sur les guerres coloniales. Avec ce montage parallèle, Claude-Jean Philippe démontre que les cinéastes français ne sont pas davantage parvenus à prendre la mesure de l'Histoire que les hommes politiques de la IVe République.
Il faudra attendre "Hiroshima mon amour" d'Alain Resnais (1959) pour voir exorcisée cette impuissance. Le cinéma de fiction est également incapable de refléter la prospérité naissante. Du coup, la jeunesse des années 50 se retrouve dans le visage de Gérard Philipe ("Monsieur Ripois" de René Clément, 1953) qui incarne le mieux son désarroi, et dans ceux de Marilyn Monroe et de James Dean."

Le cinéma forain
"L'enfance du cinéma s'est déroulée dans le vacarme de la fête foraine. Neuf forains exploitent l'appareil des frères Lumière en 1896, année de naissance du cinématographe ; en 1900, ils sont cinquante. Jusqu'à l'apparition de la première salle Pathé sur les Boulevards (1906), le cinéma privilégie donc le sensationnel, voire le monstrueux, n'hésitant pas à recourir aux actualités reconstituées.
C'est l'aspect le plus insolite de ce documentaire : habitué aux suppléments illustrés du "Petit Journal" et du "Petit Parisien", le public d'alors se délecte de ces actualités fabriquées en studio, avec figurants costumés sur fond de toiles peintes. Claude-Jean Philippe nous montre un échantillon de ces actualités : l'épopée du cuirassé Potemkine. "

Cocteau ou la Traversée du miroir
"Claude-Jean Philippe analyse ici la 'biographie imaginaire' que constituent "Le Sang d'un poète" (1930), "Orphée (1950) et "Le Testament d'Orphée" (1960). La biographie de Cocteau, sa démarche poétique et artistique, est éclairée par chaque extrait de film, mais aussi par les commentaires de Cocteau lui-même (nombreuses interviews en voix off).
Ce documentaire est tout autant un film sur la voix que sur l'image : le visage de Cocteau (dans "Le Testament d'Orphée") est moins présent que sa voix qui rythme le film. Le commentaire de Claude-Jean Philippe ne fait que suivre celui de Cocteau, il est guidé par sa pensée que résume cette phrase : "Ma démarche morale est celle d'un homme qui boîte : un pied dans la vie, un pied dans la mort."

Dada, surréalisme et cinéma
"Dadaïsme et surréalisme sont nés successivement en réaction à la guerre de 14-18. Aux images censurées du champ de bataille, Claude-Jean Philippe oppose les images débridées des dadaïstes, Man Ray ("Le Retour à la raison", 1923), René Clair ("Entr'acte", 1924), Marcel Duchamp ("Anémique cinéma", 1926). Il s'attarde surtout sur les surréalistes, Bunuel et Dali ("Le Chien andalou", "L'Age d'or").
Avec le surréalisme, en effet, la démarche de Claude-Jean Philippe, qui réunit réflexion et rêverie, trouve un terrain de prédilection. Son commentaire, poétique comme il se doit, ne s'efface que devant les citations d'André Breton et de Luis Bunuel. Dans ce film, la parole finit par supplanter l'image : Claude-Jean Philippe n'hésite pas à filmer des mots, noir sur blanc, ceux du manifeste "Alternative" de Max Morise."
(CNC-Vincent Rémy)[-]

Cet ouvrage retrace plus de cinquante ans de la carrière de l'artiste à la lumière de ses multiples collaborations, avec Jean Arp, Alexandre Calder, Marcel Duchamp, Viking Eggeling, Max Ernst, Marcel Janco, Fernand Léger, Kasimir Malévitch, Man Ray, Ludwig Mies van der Rohe, Gerrit Rietveld ou encore Theo van Doesburg. Issu de l'expressionnisme, à la croisée du mouvement Dada, du constructivisme et du néo-plasticime, il est l'un des acteurs majeurs des avant-gardes des années 1910 et 1920, servant de catalyseur entre intellectuels et artistes venus de tous les horizons et de toutes les disciplines. Il accompagne le basculement de la scène artistique de l'Europe vers les États-Unis et contribue, à travers son enseignement, ses publications et ses expositions, à écrire l'histoire du mouvement moderne auquel il avait activement participé. Pionnier du cinéma expérimental, il est l'auteur de Rythme 21. Ces trois minutes présentent, à l'écran, une radicalité comparable à celle du Carré blanc sur fond blanc de Kasimir Malévitch – avec lequel Hans Richter collabore en 1927.[-]

L'auteur, Francesco Careri, est cofondateur du laboratoire d'art urbain Stalker qui met en œuvre des promenades, des dérives, des " actions architecturales " aux frontières de la ville ou aux marges de communautés, et qui opèrent une nouvelle lecture du territoire, tout à la fois critique et politique. Dans ce livre, Careri expose l'idée que de tout temps la marche a produit de l'architecture et du paysage. L'auteur fait remonter la pratique de la marche à la Préhistoire. Il montre que les menhirs qui ponctuaient les chemins du Paléolithique sont les premières architectures de l'humanité. La marche a été remise au goût du jour par les Dadaïstes et s'est poursuivi avec la déambulation des Surréalistes puis la dérive des Situationnistes. Enfin, les artistes du Land Art sont ceux qui pratiquent la marche afin de créer leurs œuvres et de réaliser ainsi du Land Walk. [-]

"Le bâtiment de l'Aubette à Strasbourg est une oeuvre d'art totale, entre constructivisme, De Stjil et Dada, de trois artistes majeurs de l'avant-garde des années 1920, Theo van Doesburg, Hans Arp et Sophie Taeuber-Arp. Fermées et dégradées peu d'années après leur ouverture, les salles ont été restituées dans leur état d'origine en 2006. Cette monographie replace le monument dans son contexte historique et artistique, considérant la relation couleur-architecture comme centrale. Des photographies anciennes et contemporaines des salles restaurées ainsi que des essais de spécialistes, correspondances entre les protagonistes et autres contributions, offrent une vision panoramique des multiples facettes de l'édifice." Source : ENSA[-]